Tarde de bolero y Rock progresivo (mezclados y revueltos)

El bolero es una danza española de ritmo ternario, en tempo moderato (80 a 108 bpm), bailada ya por una pareja, varias parejas o un solo bailarín. El ritmo es anacrúsico, y empieza en la última corchea del tercer golpe del compás.


Dicho esto, cuando uno pregunta a cualquiera en qué piensa al escuchar la palabra “bolero”, puede encontrarse dos respuestas: una que haga referencia a aquellos hermosos boleros de origen cubano que tanto popularizaron grupos musicales como “Los Panchos” o Armando Manzanero; y otra que responda algo del estilo: “sí claro, el bolero de Ravel”. Y es a este último tipo de bolero, el que viene influenciado por el bolero español, al que vamos a hacer referencia en esta entrada.

Y fijaos que digo este tipo de bolero y no este bolero ya que a la celebérrima obra de Maurice Ravel le dediqué una entrada anterior en la que contaba su historia y presentaba tres versiones, todas ellas absolutamente distintas. Para quienes deseen recordarla o descubrir la versión clásica de Celibicache, la africanizada de Angelique Kidjo o la jazzística de Jacques Loussier trio, puede entrar en este enlace.

Hoy deseaba centrarme en dos obras basadas en la idea rítmica del bolero de Ravel que es el que podéis ver a continuación.

Y que nadie tema no saber solfeo, solo debe recordar la percusión obsesiva de la obra original y podrá reconocerla en los dos boleros que presento a continuación.


El primero es una composición de Emerson, Lake & Palmer que pertenece a su álbum “Trilogy” aparecido el año 1972 y titulado: “Abbadon’s Bolero”. Éste tal vez sea el que está estructurado de forma más cercana al original de Ravel. Desde que lo descubrí hace más de cuarenta años ha sido una de mis obras preferidas del malogrado trío de Rock progresivo, responsable también de que teminara interesándome por la música del modo que lo hice.

El segundo pertenece a un álbum anterior, este de King Crimson. Hablamos de “lizard” que, en su cara “B” y dentro del tema que da nombre al álbum nos regala otro bolero. Una obra de una inmensa calidad musical y de una complejidad mayor, si ello es posible, que el anterior.


Es evidente que tratándose de obras no pertenecientes a lo que se da en llamar “música culta”, su recorrido por las salas de conciertos ha sido y será prácticamente inexistente. Incluso habrá muchos que, viendo su origen en ese cajón de sastre llamado “rock” siguiera le dediquen el tiempo necesario para una primera audición. A mí, no obstante, me gusta pensar que el tiempo terminará poniéndolo todo en su lugar y ubicando estas maravillosas obras en el lugar que les corresponde. Sea como fuere, aquí pongo mi granito de arena y os las ofrezco para que podáis degustarlas en todo su valor.


BONUS

Esta versión, que comienza con toda la dignidad del mundo, queda destrozada con la entrada final de Rick Wakeman (ex Yes): a destiempo, descontrolada y a buen seguro, con un exceso de alcohol. Sea como fuere decidí ponerla como documento histórico.


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Panegíric per la mort de ma mare

A la antiga Grècia, a uns 30 km de la ciutat costera d’Éfeso, un tal Síkilos va fer construir una columna de marbre per a la tomba de la seva esposa, de nom Uterpe. En ella hi ha gravat un epitafi i la partitura més antiga que tenim complerta.

La traducció lliure de l’epitafi avisa al viatger que passa dient-li:

Soc un imatge de pedra.

Síkilos em va posar aquí

on estaré per sempre

com a senyal de record etern

La composición musical, a més, ens regala aquestes sàvies paraules:

Mentre visquis, brilla.

No deixis pas que res t’entristeixi més enllà del necessari.

Perquè curta és la vida, per cert,

i el temps exigeix el seu tribut.

I aquesta lliçó la rebem una vegada i un altra quan se’n va algun ésser estimat. És llei de vida. Ningú ve al món per quedar-se. No val de res la riquesa, la enveja, la gelosia, la mala sang per cada cosa que no tenim. Venim nus i ens en anem nus. Perquè per molt que ens creguem, només som propietaris de la materia de la que estem formats.

La única cosa que deixem aquí són els records que els demés guardin de nosaltres. És per això que no cantaré cap excelencia de la Anita, cadascú sap dins d’ell quin serà el record que voldrà desar dins perquè ella pervisqui mentre hi hagi memòria.

A partir d’ara començarà el dol, passar per llocs comuns i recordar-la, no tenir-la a taula amb la familia, no veure-la pel Casal d’Avis, no rebre les seves trucades. I cadascú de nosaltres el passarà millor o pitjor, i durarà mentre la pols del temps no faci una capa prou gruixuda com per apaivagar la punxadeta al cor.

Mentre això arriba, allò que va ser ella començarà un viatge personal cap al Sol. I m’agradaria pensar que algun punt remot del viatge hi haurà partícules de la Anita que es trobaran amb partícules del éssers estimats que van començar viatge abans que ella.

Això és tot. Ens veiem camí del Sol.

BONUS

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De Mozart a Beethoven el viaje de un tema eterno

Dudo que quede gente en el mundo occidental que no conozca esta melodía

Lo que no sabe la mayoría es que “el embrión”, lo que podría ser su origen nos viene nada más y nada menos que de Wofgang Amadeus Mozart y de su obra Misericordias Domini, número de catálogo K. 222,  en el que podemos escuchar lo siguiente (aparece en el minuto 1:55 aprox.):

¿Copió el genio de Bonn su futuro tema a partir de la melodía de ese sencillo acompañamiento? Cabe pensar que sí, pensemos que en esa época no existía la ASGAE ni los músicos cobraban derechos de autor, eran unos simples obreros en manos de mecenas y su trabajo carecía del valor artístico que le atribuimos ahora. Pero fuera copia o fruto de la casualidad, pasados los años escribió una canción que hablaba del amor no correspondido, algo que fue una realidad en su vida, y en ella recuperó el viejo tema del joven de Salzbug que podemos escuchar a partir del minuto 3:10 aprox.

Tema que a su vez le debió servir como preparación para el ensayo, este definitivo, que daría lugar al inolvidable Himno a la Alegría. Sucedió que el 22 de diciembre del 1818 se iba a celebrar un fabuloso concierto. Sería en el Theater and er Wien y tendría una duración de cuatro horas. El programa era el siguiente:

La Sexta Sinfonía, Op. 68
El aria Ah, perfido! Op. 65
El Gloria de la Misa en do mayor Op. 86
El Concierto para piano n.° 4 Op. 58 (tocado por el propio Beethoven)
(Descanso para salir a fumar)
La Quinta Sinfonía, Op. 67
El Sanctus y el Benedictus de la misma misa
Una improvisación para piano solo tocada por Beethoven
La Fantasía coral, Op. 80

De todo el programa eran estrenos la sexta, la quinta i la fantasía coral. Cabe pensar que viendo lo que tenía a su disposición: una orquesta sinfónica, un coro y un genio del piano (él mismo), escribiera una obra que lo aglutinara todo. Algo que podríamos entender como la prueba definitiva, a nivel instrumental y coral, de lo que sería la obra cumbre de su vida. La pieza en cuestión era la “Fantasía coral”. Y fue en ella, como otra premonición de lo que vendría más tarde, que volvió a aprovechar aquel sencillo tema nacido en Mozart. Presentado primero por el piano y desarrollado después, en una acercamiento al himno futuro, por las voces solistas.

Después de esto el mundo y él mismo estaban preparados para la maravilla. Gracias pues a Mozart y a Beethoven pues sin ellos el mundo sería muchos menos bello de lo que es gracias a su música.

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La teta de Waltraud Meier

No entraré en detalles de cómo llegué a la ópera, baste decir que fue después de muchos años de escuchar Música y cuando me sentí preparado para la grandeza y complejidad que aquella requiere. Recalco, como complemento informativo, que a media que la descubría me encantó Monteverdi, me gustó Mozart y encontré algunas que no me desagradaron, la mayoría, de los autores consagrados que todos conocemos.

Hasta que descubrí a Wagner. Ahí cambió todo.

Sus mal llamadas óperas, pues él prefería llamarlos “dramas musicales”, desarrollaban hasta la perfección el concepto de “obra total” en la que cada elemento, desde la escenografía al libreto, creaba un continuo musical construido a partir de pequeñas piezas sonoras llamadas “leit motiv” las cuales, unidas, formaban castillos sonoros de increíble belleza. Y lo que comenzó en un romanticismo al que me costaba aceptar, más allá de su estructura, culminaría en Tristán e Isolda, obra que buscaría la disolución de la tonalidad clásica, enterrada después por Schöenberg. Ahí entendí al autor.

Y fue ahondando en Tristán e Isolda que descubrí a mi amor otoñal hasta ahora inconfesado. Apareció tras algunas audiciones en las que, cada vez más, me iba centrando en esa página de absoluta belleza que es el Liebestod (Muerte de amor), el tema final que canta la protagonista. Así apareció mi enamorada, lo hizo con una versión maravillosa, grabada en la Scala de Milán en el año 2007 y dirigida por Baremboim. Una Isolda madura dos años menor que yo que me extasiaba desde su voz dirigiéndose a mí desde aquel lejano escenario mientras me cantaba:

¡Amigos, miradle!
¿No lo percibís? ¿No lo veis?
¿Tan sólo yo oigo esa voz
llena de maravillosa suavidad,
que cual delicioso lamento
todo lo revela en su consuelo tierno?

¿No estarías extasiado tú, lector, si ella te hablara de ese modo? ¿No sucumbirías? si ella te dijera:

…perderse, sumergirse…
sin conciencia…
¡supremo deleite!

Amamos lo bello, de ahí que sucumbamos a la belleza. Yo, ser débil, no iba a ser menos y sucumbí a una Isolda llamada Waltraud Meier. Pero permanecí callado. No era un bocado apetecible contarle al mundo mis sentimientos y que me tomaran por loco o, peor, se rieran de ello, Enamorado de una contralto que no conoces, tú estás idiota, Búscate una buena mujer y déjate de estupideces. No, Isolda sería mi amor secreto. Nadie sino yo disfrutaría de sus palabras, de su voz, de sus ojos…

Pero el destino me llevó a la última obra de Wagner: Parsifal y como imaginaréis deseaba ir de su mano. Así que busqué a mi Isolda y la encontré. Era una versión realizada en el State Opera de Berlín en 1992.

No habría nada reseñable, fuera de la maravilla del drama wagneriano, la puesta en escena increíble, la dirección exquisita de Baremboim y la voz magistral de Waltraud. Pero llegó el acto segundo. Llegó el momento en que Kundry (Waltraud), dominada por una maldición que la obliga a seducir a todos los caballeros, llama al caballero Parsifal, el puro y casto. Es entonces que Kundry aparece en escena y lo llama. Y es entonces que Kundry se levanta y aparta de sus hombros la tela que la cubre. Y es entonces que una teta de diosa llena todo el espacio visual de este que os relata. El instante mágico en que un pecho insolente de Kundry, incapaz de seducir a Parsifal, pobre criatura, me sedujo a mí para el resto de mis días.

Y desde entonces, Waltraud Isolda Kundry Meier… a través del centro absoluto de aquel pecho y tejiéndolo todo con su voz, igual que lo haría una araña, me aprisionó con su hechizo.

No sé qué pueda ser de mí más allá del amor que le profeso. Ahora, desde mi vejez, sigo a una Waltraud sin edad y eternamente joven, pues ese es el efecto que genera la imagen grabada al fijarse en la mente del espectador.

Aunque no sufráis por mí, no me importa, hoy pondré de nuevo el Liebestod y me dejaré morir cual triste Tristán.

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Sant Jordi 2020 y “El ladrón de rostros”

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Ayer me decidí a subir mi novela, el ladrón de rostros, la primera de la trilogía de Diego, a Amazon. La dejé como libro electrónico, ya veré si me decido a prepararla en formato papel. Eso será así hasta que alguna editorial apueste por reeditarla de nuevo ya que, por razones que no vienen al caso, no renové mi contrato con la editorial anterior.

Las razones que me llevaron a ello fueron dos:

  • La primera, que hoy es Sant Jordi, uno de los días más hermosos que tiene Catalunya y en los que la gente se dedica a regalarse libros. Porque, puestos a regalar, qué cosa hay más completa que un libro: puedes viajar, aprender sobre infinidad de materias, disfrutar con una buena historia, encontrarte a ti mismo, percibir olores que no están a tu alcance… Pues eso, puestos a regalar qué puede haber mejor que “El ladrón de rostros”, ese encuentro de dos historias y su desenlace: la de Diego que empieza en Nagyrev (Hungría) al terminar la primera guerra mundial cuando su abuela, María Kardos, mata a su amante, a su marido y a su hijo, marcando, de ese modo, el futuro de sus descendientes; y la de Alba Garcés, que mientras realiza un trabajo de restauración en una mansión encuentra un retrato que trastocará por entero su vida hasta… Y todo ello envuelto por el amor a la belleza, a la música, a la pintura y a la estética.
  • La segunda, que al no renovar con mi editorial la pobre novela se quedó huérfana y languidecía sin lo más necesario para ser considerada libro: lectores y lectoras. Y lo que más necesita un escritor, su obra sobre todo, es que sea leída y valorada.

Y así es como desde hoy podéis comprarla a un precio de 3 €. Decisión esta que tampoco es baladí. Siempre consideré que el precio que puso la editorial era demasiado elevado y yo, qué queréis que os diga, por el momento tengo suficiente dinero como para vivir sin estrecheces y mis necesidades cada vez son menores.

Espero que os decidáis por ella, espero que os guste y espero que me hagáis llegar cualquier crítica que tengáis sobre ella.

Este es el enlace donde la podéis conseguir: El ladrón de rostros en Amazon

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Un camino del Arte

Una de las cosas más difíciles en esto del Arte y en cualquiera de sus disciplinas, es llegar a ser uno mismo. Encontrarse, encontrar la voz, la técnica, aquello que convertirá lo que hagamos en algo, no solo personal a nuestros ojos, sino identificable con nosotros por quienes lo vean, lo lean o lo toquen.
Pues bien, uno de mis hijos, Roger , el que de momento ha decidido vincularse con el tema gráfico, lleva tiempo persiguiendo ese detalle personal que le separe de lo que hacen otros y le sirva para identificarse y reconocerse.
Hoy presento dos esbozos de una mano, algo que veo extremadamente difícil de dibujar, al menos  para un lego e incompetente para la plástica como yo,.

Ma_Roger_2

Ma_roger_1

Gracias a la magia de los dispositivos actuales me permito compartir  un rápido time_lapse que me mandó con todo el proceso reducido a apenas un par de minutos. En él se puede ver la técnica de líneas que utiliza para dar volumen, sombra y forma. 

BONUS

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La palabra entre el Arte

Haciendo click en el enlace accederéis al documento que agrupa todas las entradas relacionadas hasta ahora con “La palabra entre el Arte”.
Espero que os guste.

La palabra entre el Arte

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De «OM» a «Amén», el sentido de la Música

EL SONIDO

LA PALABRA

Hubo un tiempo en el que se otorgaba un significado y una personalidad específica a cada una de las tonalidades[1] de nuestro sistema musical. Así sabemos que la música interpretada en la tonalidad de LA Mayor sonaba (o debía sonar): “Alegre, campestre, declaración de amor inocente, satisfacción, juventud, aplausos y creencia en Dios”.

Esto se ha demostrado completamente falso ya que la percepción musical depende de muchos más factores que los de la mera tonalidad. Pero sí que existe alguna cualidad sensorial en lo relativo a la nota LA. Veámoslo.

En los Vedas se encuentra una antigua sílaba sánscrita: “Aum”, que después se convertirá en la palabra sagrada “Hum” de los tibetanos; “Amin” de los musulmanes y “Amén” de los egipcios, griegos, romanos, judíos y cristianos. Ya para terminar, nos encontramos con la sílaba “OM”, cuya pronunciación, lenta y profunda provoca: primero, la vibración de la caja torácica en el sonido de la “O” y después la vibración del cráneo en el sonido de la “M”. Los lugares donde reside el corazón (sentimiento y alma) y el cerebro (razón y conocimiento). De ahí que el hinduismo hable de las bondades de su repetición y de su poder equilibrante y sanador.

Resulta que no es baladí esa afirmación. Este mantra, cantado, acostumbra a vibrar a unos 432 Hz, muy cerca de los 440 Hz de la nota LA 1 que se toma como unidad central de nuestra estructura musical en lo referente a la afinación. Sin olvidar que dicha frecuencia es matemáticamente coherente con los patrones de frecuencia vibratoria encontrados en el universo, la afinación del diapasón cósmico. También conocida como la frecuencia de la Paz.

Si en páginas anteriores hablábamos de Rumi y de cómo no hablaba de que los átomos del Universo vibran en una especie de música, ahora confirmamos que la vibración sonora, ese sencillo mecanismo por el que el aire ondula al paso de casa sonido, también nos puede reconvertir y cambiar por dentro.

Hace unos años, el malogrado Fernando Argenta, en un maravilloso programa radiofónico llamado “Clásicos Populares”, preguntó a los radio oyentes que definieran la Música. Una niña dio una de las respuestas más maravillosas que he escuchado jamás: “La Música es lo que siento cuando la escucho”.

BONUS


NOTAS:
[1]Tonalidad: Escala o sistema de sonidos que sirve de fundamento a una composición musical. Modo como organizamos los distintos sonidos a la hora de estructurar una composición musical.

 

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Joan Baez, la voz de todas las causas justas

El Periscopio

Nos dejamos melena como Joan Baez y Carole King, después. Larga, y morena sin duda. Rostros de adolescentes asombradas. Nos enamoramos de las canciones en inglés. Y de la arena imposible de los adoquines franceses, porque pedir lo imposible era precisamente ser realista. Supimos en la España constreñida, que el mundo era enorme y que abriríamos fronteras.

Eran los años 60, los 70, del siglo XX, cuando las canciones, algunas canciones, se llenaban de letras tan densas y apretadas que desbordaban la música. Joan Baez las cantaba en los Estados Unidos que poblaban las calles de protestas contra la guerra de Vietnam, contra toda injusticia y discriminación.

Joan Baez y Bob Dylan tuvieron un estreno mundial, por así decirlo, no literal, el 28 de agosto de 1963 en la Gran Marcha sobre  Washington que ha quedado para…

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Mientras vivas, brilla…

Un rincón literario

En 1883 un inglés, un tal Sir W. M. Ramsay que andaba por Turquía, descubrió una columna griega, antigua. Tras analizarla la llevaron al museo de la ciudad de Esmirna para conservarla. Como los humanos no tenemos remedio, apenas habíamos tenido tiempo de olvidar las masacres de la primera guerra mundial, sucedió lo que se conoce como el Holocausto de Asia Menor, en la que la ciudad de Esmirna, lugar donde se encontraba la famosa columna, fue devastada, su población pasada a cuchillo y, como guinda del pastel, desapareció la famosa columna. Pero no termina aquí su viaje, ¡Que, va! Años después se encontró, más desgastada en su base y con la última línea de texto borrada, en casa de una buena mujer que la utilizaba para poner sobre ella una maceta con plantas. Recuperada de nuevo, se llevó al Museo Nacional de Dinamarca en Copenhague.

Esa columna de mármol…

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