Mahler: Sinfonía nº 10

Conciertos en el Auditorio Miguel Delibes

OSCyL, Andrew Gourlay
10 y 11 de Marzo de 2017

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La décima sinfonía de Mahler es una de las más inquietantes y paradójicas obras de la historia de la música. Inacabada a su muerte, su composición formaría parte de un legendario, aunque fútil, intento de eludir la mortalidad. Mientras trabajaba en la partitura, Mahler también experimentó una profunda crisis personal que le llevó a consultar a Freud. Consecuentemente, la décima es un definitivo acto musical de agónica auto-revelación, aunque su intimidad psicoanalítica sólo podría ser abordada estudiando alguna o todas sus reconstrucciones, ninguna de las cuales puede reflejar exactamente las últimas intenciones de Mahler.

La mayor parte de las historias que rodean a la Décima, derivan del testimonio de Alma, la narcisista esposa de Mahler, y en particular, de las poco fiables memorias de su vida como compañera de una sucesión de famosos hombres, el primero de los cuales fue…

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Els generosos escots de Waltraud Meier i Gwyneth Jones. Cossos nus i art.

EL CAVALLER DEL CIGNE ciutadà valencià de nació catalana //*//

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 Venim al món nus. La nuesa és el nostre estat natural. Les religions antigues no estaven renyides amb la representació del cos nu. Ho podem veure des de les Venus pre-històriques a les escultures i frescos greco-llatins. Amb les castrants religions monoteistes es prohibeixen no ja la presentació del cos nu sinó també – segons el cas – qualsevol representació figurativa. Prejudicis irracionals de qui es creu amb una veritat divina suposadament revelada per Déu. Actualment són els fonamentalistes islàmics qui estan destruint el patrimoni cultural de la Humanitat de la mateixa manera que decapiten ser humans. Als budes destruïts pels talibans se sumen les estàtues assíries fetes pols per l’Estat Islàmic.

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El concierto en el bosque de Khatia Buniatishvili

Ancha es mi casa

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No es fácil apartar la mirada de la pantalla ni tampoco oír su música sin prestar atención, porque la personalidad, la pasión y la fuerza expresiva de Khatia Buniatishvili la reclama inmediata y perentoriamente. Y además, en los pasajes más quedos, no escuchamos caramelos, ni tonadillas de móviles ni cualquiera de las múltiples variedades de toses siempre a punto para desgraciar esos momentos, sino el armonioso y jamás inoportuno canto de los pajarillos del bosque. Con lo que, tras ver y escuchar este magnífico youtube me he hecho un firme propósito: Algún día, cuando sea millonario, me traeré a Khatia al patio de mi casa para que me dé un recital. Estáis todos invitados, ya os avisaré.

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Antonio Baciero, por amor al arte

Ancha es mi casa

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Pudieron la madre y la abuela pianistas. Y Antonio Baciero, que a los diez años ya había dado su primer recital de piano, abandonó los estudios de Medicina, y contra la voluntad del padre médico, eligió proseguir en la incierta carrera de la música. Había nacido en 1936 en Aranda de Duero, donde recuerda una infancia a pesar de todo feliz en aquellos años en que los niños podían jugar al aro en plena carretera Madrid-Irún. Luego la familia se trasladó a Pamplona, donde recibió las primeras clases de piano que después seguirían en Madrid, Siena y  Viena, ciudad ésta última en la que pasó diez años aprendiendo de Badura-Skoda,  de Demus y de Brendel.

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Homenaje para los partisanos y los maquis

Fue escucharla y se me saltaban las lágrimas. Imaginé a todos aquellos hombre y mujeres que se dejaron la vida por darnos la ansiada Libertad a la que hoy renunciamos para no perder esa ínfima cuota de bienestar que nos hace creernos clase media.

¡Cuánta estupidez, cuánta sangre derramada para nada!

When they poured across the border
I was cautioned to surrender,
This I could not do;
I took my gun and vanished.
I have changed my name so often,
Ive lost my wife and children
But I have many friends,
And some of them are with me.
An old woman gave us shelter,
Kept us hidden in the garret,
Then the soldiers came;
She died without a whisper.
There were three of us this morning
Im the only one this evening
But I must go on;
The frontiers are my prison.
Oh, the wind, the wind is blowing,
Through the graves the wind is blowing,
Freedom soon will come;
Then well come from the shadows.

Les allemands etaient chez moi,
Ils me dirent, signe toi,
Mais je nai pas peur;
Jai repris mon armes.
Jai change cent fois de nom,
Jai perdu femme et enfants
Mais jai tant damis;
Jai la france entie`re.
Un vieil homme dans un grenier
Pour la nuit nous a cache,
Les allemands lont pris;
Il est mort sans surprise.

Oh, the wind, the wind is blowing,
Through the graves the wind is blowing,
Freedom soon will come;
Then well come from the shadows.

Cuando atravesaron la frontera,
fui advertido de que me rindiera.
No podía hacerlo.
Cogí mi pistola y me escapé.
He cambiado tanto de nombre.
He perdido a mi esposa y a mis hijos.
Pero tengo muchos amigos,
algunos de ellos están conmigo.
Un anciana nos dio refugio.
Nos escondió en el desván.
Entonces vinieron los soldados.
Murió sin dar un suspiro.
Éramos tres esta mañana.
Sólo quedo yo por la tarde.
Pero debo continuar.
Las fronteras son mi prisión.
¡Oh! El viento, el viento sopla.
El viento sopla a través de las tumbas.
La libertad llegará pronto.
Entonces saldremos de las sombras.

Los alemanes estaban en mi casa.
Me dijeron que me identificara.
Pero no tengo miedo.
Retomaré las armas.
He cambiado cien veces de nombre.
He perdido a mi esposa y a mis hijos.
Pero tengo algunos amigos.
Tengo a Francia entera.
Un anciano, en un granero,
nos escondió por la noche.
Los alemanes lo capturaron.
Murió sin sorpresa alguna.

Oh, el viento, el viento sopla.
El viento sopla a través de las tumbas.
La libertad pronto vendrá.
Entonces saldremos de las sombras.

Esta canción de Leonard Cohen es una adaptación de otra que se escribió en 1943, durante la II Guerra Mundial, en Londres; La original se llama “La complainte du partisan” (El romance del partisano), y sus autores fueron Emmanuel D’Astier de la Vigerie (letra) y Anna Marly (música). El autor de la letra fue un partisano de verdad, y actuaba en la resistencia Francesa con el nombre de Bernard. Con lo que no debemos descartar que la historia que cuenta sea su propia historia, incluidas las anécdotas.
Después de la guerra y durante los años 50, la canción se hizo popular, sobre todo en los paises de habla francesa, entre ellos Canadá, que fue donde Leonard Cohen la escuchó siendo joven, ya que se cantaba mucho en los campamentos juveniles a los que solía asistir
Mas tarde la versionó y la hizo famosa en su disco de 1.969 “Songs from a room”. De hecho llegó a eclipsar a la original, tanto que muchísima gente se la atribuye al propio Leonard.

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El qué y el cómo de un acorde mítico

Ancha es mi casa

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En la parte central del Golliwog’s Cakewalk de la Suite Children’s corner de Debussy

y en el Andante de la Sonata nº4 de Scriabin

se esconde una misma cosa. La respuesta, al final de la línea.

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Tchaikovsky en America (1)

Ancha es mi casa

Tcha en America (1)

Es llamativo lo mucho que se emplearon las melodías de Tchaikovsky en las baladas americanas del segundo tercio del pasado siglo. Y puede que el rechazo que durante unos años sufrió su música tenga que ver con su identificación con esas adaptaciones acarameladas y simplificadas. Pero los gustos y las modas fluctúan, Tchaikovsky se ha revalorizado y muchas de aquellas viejas canciones pueden escucharse hoy con agrado.

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La historia de Layla y Majnún – El amor místico

LA HISTORIA DE LAYLA Y MAJNÚN

 El amor, si no es verdadero,
no es más que un juguete de los sentidos, 
que dura tan poco como la juventud.
El tiempo es perecedero, el amor no.
El brasero de carbón en el que arde es la eternidad misma,
sin comienzo ni fin.

 (Nizami, poeta persa – 1140-1203)

Los orígenes de la historia de Layla y Majnún se remontan a las tradiciones populares de los desiertos árabes. Según la leyenda, hacia el S. VIII, vivió en Arabia un poeta beduino llamado Qais o Keis que dio fama con sus versos enamorados a una hermosa joven llamada Layla. La obcecación de sus amores y sus correspondientes desventuras – por la oposición de sus familias, ambas rivales – le valieron el sobrenombre de Majnún, que significa loco o poseído por los djinns (demonios).
Bajo la influencia persa, la leyenda de Layla y Majnún inspiró numerosas versiones a través del mundo musulmán llegando hasta Occidente.
Es una obra de clara inspiración sufí, una alegoría de la relación mística entre el hombre y Dios, a través de un simbolismo erótico que expresa una “mística nupcial”. en efecto, Layla, que significa “noche” en árabe, encarna la “tiniebla más luminosa de la luz” de la esencia divina, reflejada en la belleza de la mujer, por la que suspira el amor del buscador místico simbolizado en Majnún, nombre que significa “loco”, que encarna al “loco de Dios”, al místico arrebatado por la belleza de la faz divina. Los amores entre Laya y Majnún, expresan una concepción platónica del amor, fundamento de la mística sufí musulmana y de otros fenómenos culturales como el de los trovadores franceses.

 

EL LAMENTO DE MAJNÚN.
Soy tuyo, por muy lejos que estés de mí.
Tu pena, cuando sufres, me da pesar a mí.
No hay soplo de viento que no me traiga tu perfume.
No hay pájaro canoro que no pronuncie tu nombre.
 
Cada recuerdo que ha dejado su huella en mi, 
permanece enteramente como si fuera parte de mí.
No te demores, no sea que me encuentres muerto.
Atrapada por el lobo, la oveja oye demasiado tarde 
como la flauta del pastor llora por su cruel destino.
 
Abrasándome de sed, busco en vano en el cielo 
la nube que traiga la salvadora lluvia.
Me atormentas cruelmente, 
pero mientras viva tu belleza 
me hace amarte y perdonar.
 
Yo soy el candil, tú eres el sol; 
tu poder triunfa de mi luz declinante.
El fuego tiene envidia del resplandor de tus ojos; 
los tulipanes y las rocas se marchitan al verte.
¿Separarnos? ¡Nunca! 
De rodillas te profeso amor y devoción, 
fiel hasta la muerte.
Atormentado, soporto tus golpes con resignación; 
tuya, si muero, será la sangre que corra.
 
¿Quién soy yo, tan lejos de ti y sin embargo tan cerca?Un mendigo que canta. Layla ¿me oyes?
 
Libre del trabajo arduo de la vida, 
mi soledad, mi pena y mi aflicción son para mí felicidad.
Y, sediento, en la corriente del dolor me ahogo.
Hijo del sol, padezco hambre por la noche.
Aunque separadas, nuestras dos almas amantes se unen, 
pues la mía es toda tuya y la tuya es mía.
 
Dos enigmas somos para el mundo, 
uno responde al hondo lamento del otro.
Pero, si nuestra separación nos divide en dos, 
una luz radiante nos envuelve en común, 
como procedentes de otro mundo.
Lo que allí es uno, aquí está separado.
 
No obstante, si bien los cuerpos se separan, 
las almas libremente vagan y se comunican.
Yo viviré para siempre: 
compartiendo tu vida por toda la eternidad, 
yo viviré si tú permaneces contigo.
 

Fuente: Tarab Al Andalus

BONUS

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Dimitrie Cantemir, el príncipe sabio de Turquía

Si siempre he defendido que el único noble que merecía algún respeto era el rey Alfonso X, conocido como el Sabio, me veo ahora en el deber de extender dicha defensa a alguien más. Me refiero a Dimitrie Cantemir, príncipe de Moldavia.
Al resto les pueden poner la cabeza en un cesto

Dimitrie Cantemir nació en 1673 en Siliteni, región de Moldavia. Era descendiente de una modesta familia que vivía en una pequeña aldea. Pero a pesar de ello su padre logró destacarse lo suficiente como para ser elegido gobernador de los Boyardos en Moldavia.
Ese alto cargo, que a priori significaba algo bueno para la familia, tenía una contrapartida negativa ya que, siguiendo la costumbre de los príncipes reinantes, la familia debía enviar a uno de sus hijos a modo de rehén, para que fuese decapitado en caso de alguna revuelta en contra del príncipe reinante de la puerta otomana. Quiso la suerte que le tocara a Dimitrie ya que, lejos de entenderlo como una desgracia lo aprovechó para alimentar su intelecto.
Una de las facetas  que cultivó fue la música, convirtiéndose en un famoso intérprete de “Tambur” (una variante de laúd de mástil largo que se usa en Turquía). Aprendió, además, las sutilezas de la música oriental de la mano del maestro Kemani ahmet Efendi.
Sea como fuere cada vez mostró menos interés por la música occidental mientras aumentaba su compromiso con la oriental. Llegó a afirmar que la métrica y la proporción de las palabras en la música turca eran mas perfectas que en la música europea.
Fue a partir de esa idea que en 1700 escribió un libro sobre teoría de la música turca conocido como el “Kantemiroglu Edvari“, cuyo título completo es: “Kitabu Ilmi’l musiki ala vechi’l hurufat“, basado en un método experimental llamado Kavl-i Cedid o Kavl-i hakir, a pesar que ésta presentaba un conflicto con la teoría tradicional. Dicha teoría, en opinión de Eugenia Popescu-Judetz, estaba en oposición a la teoría abstracta antigua que había sido sistematizada por las autoridades musicales de la edad media. No obstante a pesar de todo ello, en una publicación de 1790 de Ernest Gerber (diccionario musical) “Historisch-biographische der Tonkünstler”, se le menciona por su nombre indicando claramente la importancia de sus trabajos sobre la música.
A pesar de todo este marco teórico, lo que le distingue históricamente en el campo de la música, es el hecho que él escribió mucha piezas musicales, contribuyendo así al conocimiento de Oriente en Europa. Elevando aún más su calidad de humanista.

El carácter transcultural de la ciudad de Estambul, una encrucijada en la que se amalgaman la cultura turca, armenia y sefardí, es la base de este trabajo de Jordi Savall y Hespèrion XXI. Hilando el programa a partir de unas bellísimas piezas instrumentales extraídas del Libro de la Ciencia de la Música -compilación de piezas tradicionales transcritas por el fascinante Dimitrie Cantemir- y contando con unos especialistas de excepción a cargo del florido instrumental, Savall nos deleita e instruye con un compacto de lujo que es, al tiempo, una notable propuesta ética y humanística.

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BONUS

Una pequeña maravilla de Mercan Dede, un canadiense de origen turco que hace música sufi

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Descubriendo América (XVII) – La Vieja canción francesa de Tchaikovsky, una nueva etapa del Moldava

Ancha es mi casa

Los caminos de la música son inescrutables. Buscando adaptaciones de las melodías de Tchaikovsky al jazz (para una serie de inminente aparición), me enteré de la existencia de una pieza suya titulada Vieja canción francesa, el último quesesto de la temporada que  podemos ver ahora interpretado por Mikhail Pletnev:

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